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妻の生まれ変わりを探し続けるゴシックロマンス

Dracula: A Love Tale
（邦題『ドラキュラ』）

ドラキュラものは根強い人気のあるジャンルで、映画やテレビドラマなどで数多く描かれてきた。映画好きの方なら、一作ぐらい観たことがあるかもしれない。本作は、19世紀後半にブラム・ストーカーが書いた小説『吸血鬼ドラキュラ』を下地とし、フランスのリュック・ベッソン（『レオン』『LUCY/ルーシー』で知られる）が脚本・監督をした作品だ。ストーカー版の『ドラキュラ』というと、1992年に公開されたフランシス・フォード・コッポラ監督のアメリカ映画『ドラキュラ』（原題：Bram Stoker’s Dracula）を思い出す。当然といえば当然だが、鑑賞中はついついコッポラ版との比較になってしまった。果たして、何がどう違って、どちらが面白かったのか？

15世紀、ワラキア公国のヴラド・ツェペシュ王子（ケイレブ・ランドリー・ジョーンズ）は、オスマン帝国との戦いで最愛の妻エリザベータ（ゾーイ・ブルー）を死なせてしまう。悲嘆に暮れた王子は神を捨て、天国を呪い、永遠の命を得てドラキュラとなり、妻の生まれ変わりを探し続ける。そして400年後の1889年、ようやく妻とそっくりなミーナを見つける。

ミーナは、ドラキュラ伯爵の城を訪ねてきたパリの弁護士ジョナサン・ハーカーの婚約者であった。それを知った伯爵はハーカーを城に幽閉し、ミーナを探しにパリへ向かう。同じ頃、パリでは司祭（クリストフ・ヴァルツ）が、ハーカーの友人の婚約者マリアと対峙していた。彼女は伯爵によって吸血鬼となっており、司祭から逃れて、友人であるミーナの元へ伯爵を案内する。再会した二人。初めは驚くミーナだったが、次第に記憶を取り戻し、ついには伯爵との永遠の愛を誓うのだった。

大筋では物語は同じで、登場人物もほぼ変わらない。コッポラ版はかなり原作に忠実で、物語の中心はハーカー、ミーナ、伯爵の三人それぞれの思いが描かれていく。一方、本作は妻の死に打ちひしがれた王子が、数世紀にわたって一人さまようゴシックロマンスとして描かれており、そこに大きな違いがあった。この設定で伯爵を演じたジョーンズは繊細さが際立ち適役だったと思うが、コッポラ版の伯爵は名優ゲーリー・オールドマン。彼の強烈な存在感と怪演と比較するのは、やや気の毒にも感じられた。違う映画なのだから比較自体に意味がないのかもしれないが、コッポラ版が重厚な大豪邸だとすると、本作はどうしても見劣りしたことは否めない。アクションに定評のあるベッソン監督だが、終盤のアクションシーンも安直に撮られた印象。しかも、400歳生きた後のドラキュラ伯爵を演じる際のオールドマンとジョーンズの髪型が似ている点も気になった。独自の解釈で描くのであれば、こうしたディテールも独自のスタイルで描くべきではなかったか。正直なところ、褒める点を見つけるのが難しかったが、コッポラ版とは切り離し、純粋にロマンスとして鑑賞すれば楽しめるだろう。

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大人も楽しめる大ヒットアニメ

Zootopia 2

（邦題『ズートピア2』）

2016年に大ヒットしたディズニーアニメ『ズートピア』の第2作だ。前作から9年とは随分と時間がかかった感があるが、新作も感謝祭の週末に公開され大ヒットを続けている。ウサギとキツネの刑事が事件を解決していくバディものの設定に、大人も十分楽しめる笑いの要素を詰めこんだ脚本で、コメディー映画としても大成功。何度も笑わせてもらった。

ズートピアとは大小さまざまな動物たちが仲良く暮らす街のこと。ただし、爬虫はちゅう類だけが見当たらない。その理由を明かしていくのが本作の筋だてだ。

前作で事件を解決して表彰を受けたウサギのジュディ・ホップス（ジニファー・グッドウィン）と、元詐欺師でその後警官になったキツネのニック・ワイルド（ジェイソン・ベイトマン）。二人は密輸組織の捜査でズートピアにいるはずのないヘビの抜け殻を見つけ、ジュディはヘビが街に潜んでいるのではと疑う。気にするなというニックだが、二人は正装してズートピア創設者であるオオヤマネコ一族が主催するズーテニアル・ガラに出席。そこでヘビのゲイリー・デ・スネーク（キー・ホイ・クァン）を見つける。ゲイリーは創設者一族が所有する彼の曽祖母が書いた天候壁の作成を記した古い日記を盗みにきたのだ。ゲイリーを追うジュディとニックだが、ゲイリーはヘビは悪い動物ではなく、日記には家族を助けるために必要な証拠が書かれているのだと主張する。

さて、ここから物語は急展開。日記を奪ったり奪い返したり、ゲイリーが拉致されたかと思うと、今度はジュディらが逮捕されたり。脱走と追跡を繰り返す中で、彼女らはさまざまな爬虫類たちと出会い、ズートピア創立の謎に迫っていく。

スピード感あふれる連続アクションの中、次々と登場する動物たちがユニークで楽しい。前作でおなじみの怖い上司、水牛のボゴ警察署長に始まり、小ネズミの犯罪組織ボスやDMV（哺乳類車両局）で働くナマケモノの再登場に加え、セイウチの船長、ビーバーの陰謀論ポッドキャスターや、爬虫類の重鎮であるグリーンバシリスクなど、個性的なキャラたちがジュディらを真実へと導いていく。そして彼らを阻むのが、絶大な力を握るオオヤマネコの実業家ミルトン・リンクスリーだ。前作では女子で小柄なジュディが警察署内でセクハラを受ける描写が多く、よくできたフェニミスト・アニメという印象を持ったが、本作では権力者リンクスリーが歴史を書き換え、爬虫類を排斥してきた過去が描かれ、米国の歴史を反映しているように感じられた。

とはいえ本作の狙いは、正義感が強く前向きなジュディと何事にも疑い深いニックが、署長命令でパートナーシップセラピーに参加する笑える導入部から、事件解決の過程で堅い絆を持つパートナーとして成長する姿を描くことにあったように思う。まったく正反対の二人が築き上げた信頼感は、見ていて心地よかった。

そこで最後に一言。エンドロールが始まっても席を立たず、最後まで観てください。お楽しみあり。

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偉大なシンガーの原風景に触れる

Springsteen: Deliver Me from Nowhere ／
邦題『スプリングスティーン 孤独のハイウェイ』

米国で1970年代から音楽活動を開始し、2022年にもアルバムを発表するなど、今もなお根強い人気を誇る「The Boss」ことブルース・スプリングスティーンの伝記映画。50年以上にわたり音楽活動を続けるシンガーソングライターで、労働者の生活をリアルに映した歌詞と力強いライブパフォーマンスで知られる。本作は、そんな長い経歴を持つ彼が、1982年に殺人犯の心境を歌う異色のアルバム『ネブラスカ』を制作した時期を描いている。アメリカン・ロックのひな形を作ったといわれる偉大なるシンガーの伝記としては派手さはないが、彼の人間性に深く迫る好作品だった。

時は1981年。大成功を収めたツアーを終えたブルース（ジェレミー・アレン・ホワイト）は、良き理解者でプロデューサーのジョン・ランドー（ジェレミー・ストロング）の勧めで、故郷ニュージャージー州の借家に落ち着く。当地のクラブで地元バンドと演奏していた彼は、昔の同級生の妹フェイ（オデッサ・ヤング）と出会い、彼女と付き合い始める。

同じ頃、レコード会社は次のアルバムを期待。ブルースはスタジオ費用を抑えるため、自宅でデモテープの録音を始める。読書をしたり映画を観たりしながら創作の方向性を模索する日々。テレビで放映されていたテレンス・マリック監督の映画『地獄の逃避行』に引き込まれ、実際の殺人犯の逃亡事件を題材に作詞を始める。そして、粗末な録音機材を使ってデモを録りためていくのだった。

こうして生まれたのがアルバム『ネブラスカ』だ。ブルースは「デモ録音そのものを採用する」「ジャケットに自分の顔は載せない」「宣伝もツアーも行わない」と主張し、レコード会社の反発を招く。それでも音源のノイズ問題を克服し、ついにリリースされる。殺人者の独白を一人称で歌うダークな作品である。制作の過程で彼はアルコールに溺れ母や彼に暴力を振るった父（スティーヴン・グレアム）との関係を何度も思い返す。それは、自身の原点、原風景に立ち返る時間でもあった。

終盤にロックスターの伝記にありがちな酒や麻薬、家族との離反といった悲劇的なドラマはない。『ネブラスカ』が高く評価され、続くアルバム『ボーン・イン・ザ・U.S.A.』でブルースが世界的なスーパースターへ上りつめたことなど、誰もが知っている事実が描かれる。で

きすぎた話のようにも感じるが、それがブルースという人間なのだろう。主演のホワイトが好演している。ステージで見せるエネルギッシュなパフォーマンスの一方で、過去を見つめ静かに内省する姿を巧みに演じ分けていて深い説得力があった。また、どんな時もブルースの理解者、サポーターであろうとするプロデューサーを演じたストロングの演技も秀逸。特に心に残ったのは、怒りを抱え込む父を演じたグレアムの存在感だった。

本作を通してブルースがうつ病の治療を受けていたことを知り、驚くと同時に納得した。彼がなぜ、成功と富を得た後も働く人々の心をつかみ続けているか。それは、親から暴力を受けて育った人間には避けて通れない厳しい道のりをしっかりと生きてきたから、と思わずにはいられない。

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ドウェイン・ジョンソンの熱演が見もの

The Smashing Machine

総合格闘技の先駆者マーク・カーを主人公とした伝記スポーツドラマ。カー役をレスラー出身のドウェイン・ジョンソンが演じている。

本作の元になったのは、2002年のドキュメンタリー『スマッシング・マシン：エクストリーム・ファイター、マーク・カーの生涯と時代』。スマッシング・マシンと呼ばれたカーの目を背けたくなるほど激烈な闘いぶりが記録されている。だが本作はむしろ、カーという格闘技家の私生活や負傷の痛み、ガールフレンドとの争いの絶えない関係、ファイター仲間との友情など、人間的な側面に焦点を当てている。そんなカーを、これまでスーパーヒーローや漫画キャラなどを演じてきたアクションスター、ジョンソンが熱く演じている。9月に開催されたベネチア国際映画祭のワールドプレミアで上映され、銀獅子賞ぎんじししょうを受賞した。ベニー・サフディが脚本、監督、共同制作、編集を手掛けた。

物語はすでに総合格闘技家として活躍していたカーの1990年代後半から2000年までの短い期間を描く。当時、カーは日本の総合格闘技団体PRIDEでの試合に多く参戦していたが、私生活ではガールフレンドのドーン（エミリー・ブラント）とささいなことで衝突を繰り返していた。彼の試合や健康を気に掛けるドーンだが、同時に「子どもも欲しい」「自分にも関心を向けてほしい」という不満を抱えていたのだ。そんなトラブルを抱えつつ、彼は日本の格闘技組織とのミーティングでファイトマネーの低さを訴えるが、日本側から薬物使用を指摘されてしまう。彼はその頃、痛みを抑えるために危険な薬物を使用していたのだ。

その後、カーの親友でコーチでもあったマーク・コールマン（ライアン・ベイダー）の勧めでリハビリ施設に入院。退院後に再びドーンと言い争い、彼女は彼の元を去る。薬物から更生したカーは新たにバス・ルッテン（本人）をコーチとし、連戦連勝を重ねて全盛期を迎えていくのだが……。

物語は彼がドーンと別れたりよりを戻したりを繰り返しながら、戦歴を追っていく。大怪我で入院する場面もあるが、戦友ともいえるコールマンの友情が彼を支える様子や、当時全盛だったPRIDEの試合でエンセン井上（石井慧さとる）や藤田和之（ヨコ・ハマムラ）ら日本人選手と闘うシーンも描かれる。大沢たかおなどもカメオ出演している。

筆者は総合格闘技オンチだが、激烈な闘いをする巨人、超人的な選手たちの舞台裏が丁寧に描かれていて興味深かった。コールマンとのあつい友情や、選手を気遣うルッテンの誠実な姿も印象深い。強さと弱さを併せ持つファイターたち、ジョンソンはまさにはまり役で、演技派として新境地を切り開いた感があった。残念だったのは、映画『オッペンハイマー』で妻役を怪演していたブラントが、ただ感情を爆発させる面倒なガールフレンド的存在として描かれていたことだ。ブラントならもっと複雑な女性の不満を表現できたのではないかと思う。

本人が登場する最後のシーンはファンサービスだろうか。映画の終わり方としては疑問が残った。

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大ヒットミュージカルの映画版、劇場上映始まる

Hamilton （邦題『ハミルトン』）

9月に入り、2本の音楽映画の再上映が始まった。

一つ目は2005年に日本で大ヒットした青春映画『リンダ リンダ リンダ』。学校祭で女子高校生のバンドが、伝説的パンク・ロックバンド「ザ・ブルーハーツ」のカバーを演奏するまでを描いた作品。少女たちがバンド結成に奮闘しながら、それぞれの思いを抱いてひたむきに練習を重ねる姿がすがすがしい。当時29歳だった山下敦弘監督の抑えた演出と、日本映画初出演となったぺ・ドゥナの肩の力が抜けた好演も光る、女子高校生映画の金字塔。公開20周年を記念して4Kデジタルリマスター版が制作され、米国各地で上映が始まった。決して派手とは言えない本作が20年を経ても米国で根強い人気を得ているのはうれしい限りだ。残念ながら今月のSIFFフィルム・センターでの上映は終わっているが、またの機会を期待したい。

2作目はブロードウェイでメガヒットしたミュージカル「ハミルトン」の映画版。独立戦争でワシントンの副官だったアレクサンダー・ハミルトンを主人公に、憲法制定と連邦政府の樹立を巡る波乱に満ちた生涯を、政治的・個人的事件を交えて描いた歴史ミュージカル。音楽的にはヒップホップ、ラップ、ジャズ、R&B などと伝統的なブロードウェイの曲をブレンドし、親しみやすさを生んで大成功した。さらに、白人だった建国の父たちの多くを有色人種の俳優が演じることで、建国の歴史に現代的な解釈を加えたと評価され、大ヒットにつながった。本作の脚本・作詞・作曲を一手に担ったリン＝マニュエル・ミランダの卓抜した才能がブロードウエイの常識を変えたとされ、絶賛の声が絶えない作品。オバマ元大統領が何度も鑑賞し賞賛したことでも知られている。

2015年の初演以来ロングランを続け、2020年にはディズニープラスで映画版が配信され、今回初めて劇場での映画鑑賞が可能になった。シアトルではこの春、新キャストによる舞台上演があったばかりだが、映画版は2016年に上演されたオリジナルキャスト版でミランダ自身が主演を務めている。

斬新なユニークさと力強さを感じさせるミュージカルだが、英語を母国語としない観客が予備知識なしに観ると、ラップの速さなどに戸惑うかもしれない。歴史的背景や人物相関などを少し仕入れていくとさらに楽しめるだろう。ふと仮に「伊藤博文ミュージカル」のラップ版を外国人が予備知識なしに観たら楽しめるかしら？　と思ってしまった。

なお、日本で配信されたディズニープラスには日本語字幕があるという。

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笑わない俳優リーアム・ニーソンが適役

The Naked Gun／邦題『裸の銃を持つ男』

最近はヒット作のリブートが続いている。本作も1988年に公開され、計3作が制作された同名の人気犯罪アクション・コメディー・シリーズのリブート。なんと31年ぶりの新作で、オリジナルを楽しんだ世代は50代プラスということになるだろうか。近年、コアなコメディー映画の劇場公開は減少傾向にあり、新作であっても即ネット配信されることが多い。そんな中で、本作はあえて強気の劇場公開。大丈夫か？　筆者が心配しても仕方がないが、公開時の全米興行成績は第3位と、まずまずのスタートを切ったようだ。

主人公は、かつて向こう見ずで知られたロス市警の警部補フランク・ドレビン（レスリー・ニールセン）の息子、フランク・ドレビン・ジュニア警部補（リーアム・ニーソン）。彼は父親譲りの無鉄砲さで、少女の扮装ふんそうをして銀行強盗の現場に入り、一人で強盗団を全員片付けるという神業を見せる。ところが、主犯の狙いは、貸金庫に保管されている「P.L.O.T.デバイス」と呼ばれる装置を盗むことにあった。

このデバイスは脳に働きかけて人を凶暴化させるもので、大富豪リチャード・ケイン（ダニー・ヒューストン）ら億万長者たちが世界支配をもくろみ利用しようとしていたのだった。このデバイスを悪の手から奪還するというのが本作のメインプロット。そこに、ケインに謀殺されたエンジニア、サイモンの妹ベス（パメラ・アンダーソン）が絡んでいき、大真面目なフランクとのロマンスも描かれる。もとよりシリアスで渋い役柄が多いニーソンは、全編ニタリとも笑わないドレビン役にピッタリ。その存在感が作品の成功につながっている。

そもそも本シリーズは、1982年のテレビシリーズ『フライング・コップ 知能指数0分署（原題：Police Squad!）』という今ならまず使えない名前の刑事コメディーの映画化から始まった。典型的な刑事もののパロディーで、かなりのスピードで打ち出されるおふざけやギャグ、ジョーク、身体的に絶対あり得ないアクションなどが特徴。その伝統はリブート版にもしっかりと受け継がれている。この作風を生み出したのは、映画製作チーム「ZAZ」のデヴィッド&ジェリー・ザッカー兄弟と幼なじみのジム・エイブラハムズの3人。2000年代には『絶叫計画（原題：Scary Movie）』シリーズなど、数々のコメディー映画を手掛けた。本作を観ていると80年代、90年代コメディーの奇抜なトレンドがぎっしり詰まっていて懐かしい。どちらかというとおじさんギャグが多いように感じた。

本作ではZAZは関わっておらず、製作はアニメ『ファミリー・ガイ』でヒットを飛ばしたセス・マクファーレン、監督は『サタデー・ナイト・ライブ』の制作に携わっていたアキヴァ・シェイファーが務めている。電気自動車が暴走したり、大富豪が世界制覇をたくらんだり、刑事たちがやたらにコーヒーばかり飲んでいたりと、今風のギャグも散りばめられ、笑わせてくれた。

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アクションでは解決できない混沌の時代

Thunderbolts*原題は公開後に『*The New Avengers』に改題／（邦題『サンダーボルツ*』）

スーパーヒーロー（以下SH）が大量に登場して大ヒットを重ねてきた『マーベル・シネマティック・ユニバース』（MCU）シリーズの最新作。2019年の『アベンジャーズ／エンドゲーム』の続編にあたり、主要メンバーだったアイアンマンやブラック・ウィドウが命を落とし、ほかのSHたちも引退や離脱により第一線から姿を消した後の世界を描く。『アベンジャーズ』だけで4作、MCUシリーズ全体ではなんと40作近く制作されている長大なシリーズ。正直全ては観ていないし、観た作品のストーリーをはっきり覚えているわけでもない。だが、落ちこぼれや悪役キャラが結集した本作は際立っており、これまで観たMCU作品の中でもダントツに面白かった。

物語は英雄的な死を遂げたブラック・ウィドウの義妹エレーナ（フローレンス・ピュー）が自殺を図ろうと高層ビルから飛び降りるシーンから始まる。CIA長官ヴァル（ジュリア・ルイス・ドレイファス）の指揮下で暗殺や破壊といった裏仕事を請け負わされていた彼女は、虚無と孤独に支配される日々に、SHとして表舞台で活動したいと申し出る。するとヴァルは最後の任務として、辺境にある研究施設に潜む工作員の排除を命じる。現地に赴いたエレーナはゴースト（ハナ・ジョン・カーメン）、2代目キャプテン・アメリカ、現U.S.エージェント（ワイアット・ラッセル）、そしてタスクマスター（オルガ・キュリレンコ）と遭遇。激しい交戦へと発展する。だがやがて、それぞれがヴァルによって別々の人物を抹殺するように指示されていたことが明らかになり、この任務がヴァルの罠であることに気づく。そこへ、病院服を着た青年ボブ（ルイス・プルマン）が現れ、彼女らは困惑しながらも彼とともに施設からの脱出を図るのだった。

敵は強大で明快だが、SH同士の個性が強すぎて折り合いに時間がかかる、というのが本シリーズのお家芸。本作でもエレーナらをヴァルの手先とみなして追撃するウィンター・ソルジャー(セバスチャン・スタン)が登場。さらに娘のエレーナかわいさに助っ人で現れる義父レッド・ガーディアン（デヴィッド・ハーバー）までがからんで、追いつ追われつのドタバタ風アクションが展開される。酒浸りの中年男レッド・ガーディアンが自分たちは悪と戦う「サンダーボルツ」だと宣言するのだが、エレーナは義父への不信感が強く、ほかのメンバーたちもそれぞれに屈託を抱えていて、チームとしてまったくまとまらない。ところが、ついに謎の青年ボブの正体があらわになると、否応もなくエレーナらは力を合わせざるえなくなっていく。

アクション重視の本シリーズ。エレーナを演じるフローレンス・ピューは冒頭のビルからの転落シーンをスタントなしで演じ、トム・クルーズばりの役者魂を見せている。しかも本作ではロシアで暗殺者として育てられたエレーナの内面が物語を牽引する。これはピューのボールドな魅力と優れた演技力に追うところが大きい。またエレーナが、悪玉ヴァルの手先となったボブの特殊能力を逆手にとり、彼の空疎な心に入り込み、自分自身を重ねていく過程は、敵か味方かでは割り切れない、アクションでは解決できない混沌の時代を鮮やかに描き出しており卓越していた。エンディグは勝利ともハッピーとも無縁。これもまた本シリーズの特徴だ。その上、今回は公開後に大きなサプライズ。タイトルを『サンダーボルツ*』から『*ザ・ニュー・アベンジャーズ』へと、「ニュー・アベンジャーズ」の誕生が正式に発表されたのだ。

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笑えない近未来図

Mickey 17
（邦題『ミッキー17』）

6年前、『パラサイト』でアカデミー賞作品賞等を受賞した韓国のポン・ジュノ監督の最新作。近未来を舞台に政治と社会への痛烈な批評が込められたSFブラックコメディーである。エドワード・アシュトンの小説『ミッキー7』の原作に、監督が自ら脚本を手掛けたハリウッド映画だ。

時は2054年、何をやってもうまくいかない青年ミッキー（ロバート・パティンソン）は、借金取りから逃れるため、親友のティモ（スティーブン・ユァン）と共に惑星移住計画の宇宙船に乗り込む。ティモはパイロットに選ばれるが、ミッキーが与えられたのは「使い捨てワーカー」としての仕事だった。地球で禁止されているプリンター技術を使い、死んでも記憶を引き継ぎながら何度も再生される「消耗品」として契約を結び、危険な任務のたびに死と再生を繰り返すことになる。それでも、彼を愛してくれる警備員のナシャ（ナオミ・アッキー）とそれなりにハッピーに暮らしていた。ところが、ある日、危険な探索の事故で死亡したはずの17番目のミッキーが宇宙船に生還。しかし、そこにはすでにミッキー18がいた。2体のクローンを認めない宇宙船の規則の下、2人のミッキーの命をかけた戦いが始まる。

ここまではトントンと分かりやすく話は進んでいくが、2人のミッキーの存在に気づいた独裁的な船長ケネス・マーシャル（マーク・ラファロ）と彼を操る妻イルファ（トニ・コレット）が登場して、物語がやや混迷、迷走していく。どちらか一方を排除しようとケネスらは動き出し、ナシャは2人とも助けよう奮闘する。一方、宇宙船内で発見された惑星生物クリーパーの子どもに危害を加えたために、クリーパーの大群が宇宙船を取り囲む事態に。物語はSFアクション風に大きく展開していく。しかし、クローン問題という本作のコアである2人のミッキーの行方が後半でややかすんでしまい、から騒ぎ感が否めなかった。

それにしても体の部位を再生できる「ヒューマン・プリンター」が現実に登場しつつある今、この近未来図は決して笑えない。チューブから裸のミッキーが生まれ出てくるシーンは、まるでソーセージが押し出させるような異様さで強く記憶に刻まれた。危険な仕事はクローンまかせ、なんでもテックで解決する世界が本当に明るい未来なのか？　ジュノ監督の問いかけはそこにあるのだろう。ただ、独裁的なケネスの暴走を見ていると、どこか現実の社会と重なるように感じられるのも事実だ。フィクションのはずの物語が、妙にリアルに思えてしまうのは、私だけではないだろう。

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米国の戦後史を俯瞰する重厚なドラマ

The Brutalist
（邦題『ブルータリスト』）

長い上映時間にひるんでいたが、意を決して映画館で本作を鑑賞できたのは幸せであった。久しぶりに映画を観ることの喜びを心から堪能できたと思う。

本作は、ハンガリー系ユダヤ人の建築家でホロコーストの生存者である主人公が米国に移住後に経験する希望と称賛、迫害と挫折など、波乱に満ちた人生を描いていく。

第1章は1947年から始まる。船でニューヨークに到着したラースロー・トート（エイドリアン・ブロディ）は、窓から自由の女神を見上げる。港にはいとこのアッティラ（アレッサンドロ・ニヴォラ）が迎えに来ていた。彼の家具店を手伝うラースローは、ある日、実業家ハリソン・リー・ヴァン・ビューレンの息子ハリー（ジョー・アルウィン）から屋敷の図書室改装の仕事を依頼される。建築家としての本領を発揮しシンプルで機能的な図書室を作るが、それを見た父ハリソン（ガイ・ピアース）は激怒。報酬も支払われず、ラースローはアッティラの家から追い出されホームレスに。しかし後になって、ハリソンはラースローが著名な建築家であると知り、壮大なプロジェクトを依頼する。

第2章では、ラースローがハリソンの敷地に住みながらプロジェクトを進める苦闘の日々が描かれる。その頃、ハリソンの弁護士の助けで長年欧州にとどまっていた妻のエルジェーベト（フェリシティ・ジョーンズ）と姪のジョーフィア（ラフィー・キャシディ）が米国に到着。エルジェーベトは飢餓による骨粗鬆症こつそそうしょう で車椅子生活を余儀なくされ、ジョーフィアは言葉を発せない状態だった。ラースローの仕事はトラブル続きで、ハリーから差別的に扱われたり、設計を勝手に変更されたり、誰にもビジョンを理解されず孤立感に苛まれる。やがてヘロイン中毒に陥るラースローをエルジェーベトが支え続ける。一方、理解あるパトロンを装っていたハリソンも、次第にその怪物性を露わにしていく。

本作の特徴は、建築家とパトロンの関係、家族の絆を軸に、ホロコースト生存者のトラウマ、移民の苦境、人種差別、創造性を抑圧する資本の論理、さらには己のビジョンを守る困難や、激痛と闘いながら夫を支える移民の妻の姿などが絡み合う重層的な構造にある。米国の戦後史を俯瞰ふかん する重厚なドラマは、まるで実在の人物を描いたかのようだ。脚本は監督でもあるブラディ・コーベットと彼のパートナー、モナ・ファストヴォールドが手掛け、ゴールデングローブの監督賞と作品賞を受賞している。映像はビスタビジョンで撮影され本作の核心ともいえる建築物に差し込む光と影を見事に映し出していた。

「ブルータリスト」は、「冷酷」「野蛮」といった意味を持つブルータリズムから派生している。第二次世界大戦後、破壊された欧州の都市を急ピッチで再建するため、コンクリートやガラスなどを用いて工業的に建物が造られ、「ブルータリズム」と呼ばれた。本作のタイトルは、その荒々しい外観の建築様式と主人公の生きた道を阻む冷酷な現実という二重の意味が込められているのだろう。

しかし、冷酷さや野蛮さばかりではない。終盤には、ブルータリズムに「ノー」をたたきつける意志が感じられ、長い上映時間の末に迎えたそのシーンは、待った甲斐があったと心から思えた

The Brutalist（邦題『ブルータリスト』）

 

写真クレジット：A24
上映時間：3時間35分
シアトル周辺ではRegal Meridian、SIFF Cinema Uptown、
Majestic Bay Theatreで上映中。

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舞台が大ヒットした理由に納得

Wicked ／
『ウィキッド ふたりの魔女』

ホリデーシーズンにぴったりな、家族で楽しめるミュージカル映画を紹介しよう。2003年の初演以来、トニー賞やグラミー賞をはじめ数々の賞を受賞し、大ヒットを続けてきた舞台ミュージカルの映画化作品だ。生い立ちや風貌、性格が全く異なる2人の魔女が、反目し合いながらも友情を築いていく物語。本作はその第一部を描いている。

物語の舞台はオズの国。魔術師や魔女が存在し、動物が人間のように話す世界だ。冒頭、人々が西の悪い魔女の死を祝う中、善き魔女グリンダ（アリアナ・グランデ）も喜びの歌を披露する。しかし、彼女はその「悪い魔女」を知っていたと語り、シーンは数年前のシズ大学時代へ。

車椅子に乗る妹（マリッサ・ボーデ）とともにやってきたエルファバ（シンシア・エリヴォ）は、全身が緑色の肌を持つ。奇異の目で見られる彼女とは対照的に、山ほどの荷物を持ちピンクづくめで登場したグリンダは注目の的だ。そんな2人を同室にしたのは、魔法学部モリブル夫人（ミシェル・ヨー）で、2人は正反対の性格からたびたび衝突する。モリブル夫人は生まれながら協力な魔法の力を持つエルファバの可能性を見抜いて個人指導を始める。やがてエルファバは念願だったオズ大王に会う機会を得る。彼女は学内で動物の教授たちが不当に締め出されている現状を訴えるために大王に会いたいと思っていたのだった。しかし・・・。

肌の色で親からも疎まれてきた地味で大真面目なエルファバと、能天気で人気者グリンダの対比が面白い。彼女が、エルファバのメイクオーバーを試みるのだが、全くの的外れ。ピンクのドレスをまとって自己愛を歌い上げ、ハンサムな王子（ジョナサン・ベイリー）が現れれば近づき結婚を夢見る。自己中の極みとも思えるキャラなのだが、どこか憎めない。難役だと思うが、歌唱力抜群のグランデが好演している。

同時に、背景ではアメリカ社会に根を広げるさまざまな差別を描きこんでいる。エルファバが直面する差別や、高い知能を持つ動物を檻に押し込めて自由を奪うシーンは現実の移民政策や社会的な不平等を思い起こさせる。また裏切られた障害のある女性の心情も描かれ、それぞれをわかりやすい歌詞にのせて訴え、歌い上げられていく。まさにミュージカルの真骨頂、舞台が大ヒットした理由も納得だった。作詞・作曲家は数々の音楽賞を受賞しているベテラン、スティーブン・シュワルツ。監督はダンス映画などを多く手掛け、「クレイジー・リッチ！」を大ヒットさせたジョン・M・チュウだ。
圧巻なのは、エンディングだ。自らの力と使命を知ったエルファバが大ヒットした「ディファイング・グラビティ」を歌う。スピード感のある映像と共に、他人のルールに逆らって制限なく生きたい、とエリヴォが力強く歌い、飛び回る最高のクライマックスだ。

果たして、魔力のないグリンダがどうして善き魔女となったか、なぜ西の悪い魔女は死んだのか？　謎を残したまま第１部は終わり、スクリーンにクレジットが流れ出す頃には、第2部が待ち遠しくてならなかった。

Wicked（邦題『ウィキッド ふたりの魔女』）
写真クレジット：Universal Pictures
上映時間：2時間40分
シアトル周辺ではシネコンなどで標準、3D、IMAXにて上映中。

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マイケル・キートン、当たり役で大活躍

Beetlejuice Beetlejuice／
（邦題「ビートルジュース ビートルジュース」）

1988年に大ヒットしたティム・バートン監督のホラー・コメディ「Beetlejuice」が、なんと36年ぶりに続編として戻ってきた！　オリジナルキャストがほぼ全員再集結し、年月を反映した設定になっているものの、主人公のビートルジュース（マイケル・キートン）だけは進化なし。36年前のまま「不適切にもほどがある」活躍を見せている。監督はもちろん、バートンだ。

オリジナルは、そうと知らずに幽霊屋敷に住むことになったディーツ一家が、人間界の誰かと結婚したい幽霊ビートルジュースの登場で、ひっかき回される話。両親に反抗的な一人娘、ゴス系女子のリディア（ウィノナ・ライダー）が、ビートルジュースと結婚する羽目に陥るが、紆余曲折を経て彼を霊界に追い返してメデタシメデタシとなる。

続編では、リディアは幽霊を信じない反抗的な16歳の娘アストリッド（ジェナ・オルテガ）を育てつつ、サイキックTV番組の司会をしている。彼女の夫は亡くなり、今は番組制作者のロリー（ジャスティン・セロー）と婚約中だ。

リディアの継母デリア（キャサリン・オハラ）は今でもアート三昧。ソーホーのギャラリーでアートショーのホステスをしているが、夫チャールズが事故死する。一家は夫・父の埋葬のために再び幽霊屋敷に戻るのだが、アストリッドが霊界に誘拐されてしまう。慌てたリディアは屋敷の屋根裏にある模型に住むビートルジュースを仕方なく呼び出し、助けを求めるのだった。

物語はここから一気に加速。待ってましたとばかりにビートルジュースが霊界と人間界を行き来し暴れ回っていく。続編につきものの新キャラとして、ビートルジュースの元妻（モニカ・ベルッチ）や霊界の刑事（ウィレム・デフォー）なども登場するが、さほど面白味はなく、見どころはやはりキートン。彼の当たり役であり、本人も一番好きな役柄と公言するビートルジュースをイキイキと演じ、36年の歳月を感じさせない圧倒的な存在感を放っている。

バートン監督は今回もAIによるCGを極力避け、低予算で手作り感のあるオリジナルの映像スタイルを継承。ホラーでありながら、どこかホッとする映像で、これは大成功と言える。

ただ、反抗的なティーンの娘とそれに悩む母の対立を描く前半の展開は新鮮味が感じられなかった。オリジナルのアーティストで娘に関心のない継母と大人の裏を見透すゴスの娘という関係性の方が絶妙で、また、金と投資に執着する父という設定も88年当時の時代性を感じさせてくれた。

続編制作は何度も試みられてきたが、Netflixの「ストレンジャー・シングス 未知の世界」でライダーが再注目されたことが追い風となって、本格的に続編制作が動き出したようだ。続編はつまらないという定説があるが、オリジナルのファンがガックリするほどではなく、キートンの大活躍は見る価値がある。ただし、本作で新しいファン層を取り込めるかはまだ未知数だ。

注目の新作ムービー

アニャ・テイラー・ジョイの活躍に瞠目どうもく 

Furiosa: A Mad Max Saga
（邦題「マッドマックス：フュリオサ」）

見終わって時計を見たら、なんと2時間半も経っていた。激しいアクションの連続にぐったり気味ではあったが、長い時間飽きずに見続けられたことに驚き、アクション映画の醍醐味を堪能した快感があった。この感覚は、ブルース・リーの映画を見終わったときと似ている。

2015年に予想外の大ヒットを記録したオーストラリアのアクション映画「マッドマックス　怒りのデス・ロード」の前日譚ぜんじつたん 。ディストピアで復讐に燃える警官マックスの死闘を描いた「マッドマックス」（1979年）の4作目が「デス・ロード」。５作目となる本作はマックスから完全に離脱し、若い女性主人公フュリオサの生存と復讐に向けた闘いが描かれる。第１作目から脚本・監督を手掛けてきたジョージ・ミラーによる最新作。シリーズファン待望の大作だ。

世界崩壊後、放射能に汚染されたオースラリアの砂漠地帯ウェイストランドが舞台。少女フュリオサ（アリーラ・ブラウン）は、水や資源あふれる「母なる緑の地」で育った。ある日彼女は、ディメンタス将軍（クリス・ヘムズワース）をリーダーとする「バイカー・ホード」という暴走ギャングに誘拐されてしまう。ディメンタス将軍はフュリオサに「母なる緑の地」まで案内させようとしたが、彼女は案内を拒み続けた。荒野を放浪する彼らは砂漠の地下水を支配するイモータン・ジョー将軍（ラッキー・ヒューム）が統治するシタデルに辿り着く。2人の将軍はシタデルの指導権をめぐり争い、フュリオサはジョーの手に落ちる。

シタデルでの困難を経て成長したフュリオサ（アニャ・テイラー・ジョイ）は、口のきけない少年のフリをして補給タンカー「ウォー・リグ」のメカニックとなり、リグの指揮官であるプレトリアン・ジャック（トム・バーク）の信頼を得ていくのだった。前作では片腕のリグ指揮官としてシタデルからの脱出を図るフュリオサ（シャーリーズ・セロン）が描かれたが、本作ではなぜ彼女が腕を失ったのか、どのようにしてリグ指揮官となっていくのか、彼女が目指す「緑の地」とは？　など謎であった部分が描かれている。

主演を演じたテイラー・ジョイの目を見張る活躍を特筆したい。華奢な体型で、美貌の女性をエレガントに演じる印象だったが、バイクでの疾走や格闘などのスピーディーな身のこなしはアクション俳優さながら。全編を通じて30行しか台詞がなく、グリースを塗った真っ黒な顔の中の大きな瞳だけで主人公の意思を伝える凄みがあった。

アクションの白眉は、撮影に78日かけたという15分のリグ襲撃シーン。砂漠を舞台に爆風で舞い上がるオレンジ色の砂塵、追撃してくる改造バイクや改造車をジャックとフュリオサが見事な連携と素早さで撃退していく。火炎放射器やらマシンガンやらが吹き荒れ、爆破で異形なウォーボーイズたちと襲撃者たちが吹き飛び、ほとんどが実写とは思えない危険な場面が次々と畳み掛けてくる。ケガ人が出ないよう何千枚と描かれた絵コンテを元に、入念な準備と安全対策が施されていたとのことだが、その危険と表裏一体の場面を演出した監督の周到さ、綿密さに感服。次作も期待せずにはいられなかった。

最後に、グロテスクなシーンもあるのでバイオレントな映画は苦手という方にはおすすめしない。

注目の新作ムービー

テニス界の元スター選手の新たな0ラブ ゲーム

Challengers
（邦題「チャレンジャーズ」）

男性同士の恋愛を描いた「君の名前で僕を呼んで」で世界の注目を浴びたイタリアのルカ・グァダニーノ監督の最新作。「スパイダーマン」「デューン」シリーズなど、多くの大作に出演するアメリカの人気女優ゼンデイヤを中心に据え、世界トップを走るテニスプレイヤーたちの恋愛と友情を描いた秀作だ。

幼なじみのパトリック・ツヴァイク（ジョシュ・オコナー）とアート・ドナルドソン（マイク・ファイスト）は親友同士で、2006年の全米オープンテニス・ジュニア男子ダブルスで優勝。そんなふたりが、同大会の女子シングルスで、タシ・ダンカン（ゼンデイヤ）の驚異的なプレイを観戦し、同時に電撃的な恋に落ちる。

ホテルの部屋でどうしたら彼女の気を引くことができるかと話す2人の元に、なんとタシが訪ねてくる。3人は打ち解けしばらく楽しい時間を過ごすのだが、帰り際に男子シングルで勝った方に自分の電話番号をあげる、という言葉を残して、タシは部屋を後にする。宿敵となったパトリックとアートは決勝で対戦し、パトリックが優勝。タシとパトリックは付き合い始めるのだった。数年後、プロになったパトリックと、スタンフォード大学に進んだタシとアートはテニス界のトッププレーヤーとして活躍していた。だが、タシが致命的な負傷したことで、3人の運命が交錯していく。

テニスプレイヤーとしての夢をくじかれたタシは、コーチになってテニスへの夢を実現しようとするが、夢を打ち砕かれ屈折した思いを抱え、ときにアートらの信頼を裏切ってしまう。そんなタシをそれぞれの思いで愛し続けるふたりの男たちの姿は、切なくも清々しく好感が持てた。作品の多くの部分を占めるテニスプレーの激しさ、厳しさ、美しさをとらえた映像と主演3人の渾身の演技も見応えがあった。

いわゆる三角関係ものであるが、とかく描かれがちな互いへの憎しみや嫉妬などのドロドロとした感情には一切フォーカスせず、男ふたりの友情・信頼やふたりを同時に愛するタシの揺れる思いという3人のデリケートな心情を丁寧に描きあげ、感動のエンディングへ導いていくストーリーは、出色の出来栄えだった。

脚本は今年のアカデミー賞作品賞・脚本賞ノミネートを始め、数々の賞レースを席巻した映画「パスト・ライブス/再会」を手掛けたセリーヌ・ソン監督の夫である劇作家のジャスティン・クリツケス。2人にはこれからも繊細な大人の恋愛を描き出し、観客をハッとさせてほしい。

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ややお下品でコミカルなロードムービー

Drive-Away Dolls
（邦題「ドライブアウェイ・ドールズ」）

「ファーゴ」「ノーカントリー」などで知られるコーエン兄弟は、カンヌ国際映画祭監督賞を3回も受賞した米国を代表する映画人だ。兄のジョエルが監督、弟のイーサンが脚本とクレジット表記されることが多いが、彼らの映画作りは常に共同作業。そんなふたりが2018年に映画製作を休止した。この2月にようやく、ホラー映画を共同監督する予定があることが発表されたばかりだ。ただ、2021年には、ジョエルが単独で監督・脚本を担った「マクベス」が公開。イーサンも単独監督作品を手掛け、その第1作が本作である。兄の「マクベス」とは趣が違うが、筆者の予測を超える仕上がりだった。

舞台は1999年のフィラデルフィア。主人公は親友同士の若いレズビアンふたり、性欲旺盛なジェイミー（マーガレット・クアリー）とコンサバなマリアン（ジェラルディン・ヴィスワナサン）だ。ジェイミーが恋人の警察官、スーキー（ビーニー・フェルドスタイン）を裏切り、アパートから追い出されてしまうところから話が始まる。

ジェイミーは気分転換に旅へ出ようとマリアンを強引に誘い、ふたりはマリアンの叔母がいるフロリダ州タラハシーへ。片道は車の配送サービスを利用したのだが、この車には思わぬブツが積まれていた。それが原因で、ふたりはギャング風の男たち3人に追われることに……というストーリーだ。

長旅の途中、モーテルで読書するマリアンをよそに、ジェイミーはレズビアン・バーの女子をお持ち帰り。マリアンと共に女子サッカー・チームと合流も。充実した性生活を謳歌するジェイミーだが、お堅いマリアンを性的に解放したい思いもあって、ドタバタ旅行が続いていく。

そして、ついに車のトランクに隠されたブツを発見。これがまたエロくて、設定がブレない。とうとう追い付いた悪人たちに拘束されたふたりは、ブツも取り上げられ、さらなる騒動へ。危機を乗り越えていく過程で性欲求に目覚めていくマリアンと、彼女を助けるジェイミーのコミカルな演技が愛らしく、全編にコーエン映画ならではの知的でひねった笑いも散りばめられている。

これまでメジャー映画ではあまり描かれてこなかった、レズビアン・コミュニティーのリアルを作品の真ん中にドンと据えた点が面白い。旅先の町々のレズビアン・バー（現在は全米からほぼ消滅）では、毎夜女たちが盛り上がるが、性をわいせつ感なしに見せる演出に感心した。イーサンの妻、トリシア・クックとの共同脚本。トリシアはコーエン兄弟作品の編集担当であり、レズビアンだ。90年代後半の自身の体験を下地にしているとのこと。トリシアとイーサンは婚姻関係にあるが、それぞれ別にパートナーを持つ異色のカップル。そんなふたりが生み出したユニークな作品を観ていくうち、ふたりの関係についても映画にしてほしい気がした。

カメオ出演で、ペドロ・パスカル、マット・デイモン、マイリー・サイラスなどが顔を出しているのも楽しい。が、映画としては、コントを次々と見ているような感覚に陥り、騒がしさばかりが際立ってしまったのが残念だ。

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主人公の姿が想像力を刺激

Poor Things
（邦題「哀れなるものたち」）

「ロブスター」や「女王陛下のお気に入り」など異色な作品を多く撮っている鬼才、ヨルゴス・ランティモス。この監督の作品を観る時は、期待と共にちょっと構えてしまう。一体どんな映画なのか予想がつかず、常に思わぬ展開が待っているからだ。本作もまた、ファンを裏切らないシュールでコミカルな作品。本年度のアカデミー賞で作品賞、監督賞、主演女優賞、助演男優賞など11部門にノミネートされている話題作だ。

舞台は19世紀後期ビクトリア時代のロンドン。異能の外科医、ゴドウィン・バクスター博士（ウィレム・デフォー）は、子どものような立ち振る舞いをする奇妙な女性と暮らしていた。実は彼女、橋から身投げしたベラ・バクスター（エマ・ストーン）で、博士は妊娠中だったベラの胎児の脳を移植して蘇生させたのだ。弟子のマックス・マッキャンドレス（ラミー・ユセフ）に彼女の行動を観察させるが、マックスはベラに恋してしまう。

博士はベラとマックスとの結婚を計画。だが、結婚契約書を依頼した放ほうらつ埒な弁護士、ダンカン・ウェダバーン（マーク・ラファロ）に誘われ、ベラは出奔。性の快楽に目覚めたベラは、ダンカンと遊ゆうとう蕩の旅に出かけ、欧州各地を回る。ベラの急速な成長は止まらず、次第にダンカンの手にも負えなくなっていく。

このベラの変化が実に面白い。ディナーの席で豪華な衣装をまといながら、素手で食べ物を口に突っ込み、性について思ったままを語る。ダンカンは無作法を止めようとするが、彼女には無駄なこと。ベラは自由奔放に関心の赴くまま動き、世界を知っていく。屈託なく言葉を口にするベラが痛快だ。独特なユーモアのある脚本は、「女王陛下のお気に入り」も担当したトニー・マクナマラ。

そんな台詞のニュアンスを見事にくみ取り、ストーンが生まれたままの女性を快演している。全裸で体当たりする性行為シーンの数々に驚くが、感心したのはわいせつ感やエロティシズムの強調がなかったこと。ストーンの持つ個性と、ランティモス監督の演出手腕によるものでもあるが、本作はそこに主眼を置いていないということなのだろう。ただし、レーティングはR18。

後半になって明かされるベラの自殺の理由が、作品理解へのキーとなる。「ビクトリア時代の抑圧の中に生きた女性が、大人の体のまま子どもの脳で生まれ変わったら？」と仮定して展開される、女性の冒険の物語。女らしさのすり込みや偏見のないまま生きることの解放感を見せつつ、ベラのように自由になれたらと、観る者の想像力を刺激してくれる。原作を手掛けたのはスコットランドの小説家、アラスター・グレイだ。

最後に、アカデミー賞でもノミネートされた衣装デザインや美術の素晴らしさも特筆したい。モノクロとカラーを織り交ぜた映像の美しさと、時折見せるグロテスクさ。スタジオだけで撮影した背景は、美術監督らによってゴージャスな唯一無二の世界観が引き出され、目も心も奪われた。一度観ただけでは堪能し切れない凝ったディテール。ぜひリピートして楽しみたいという思いにさせてくれた。